Chers lecteurs et lectrices, Je tenais à vous informer de la sortie du nouveau numéro de Blues Again ! Je collabore à ce magazine depuis sa création. Le but de cette revue fut de parler de Blues et de tous les courants rattachés, avec une parution nationale à raison d'un numéro par trimestre.
Nous attaquons notre cinquième année d'existence, et malgré des ventes et des échos encourageants, nous avons besoin de soutien.
Nous avons décidé, pour ce numéro 17, de frapper un grand coup. Bien que très ancré dans le Blues, la rédaction, avec mon appui insistant, a décidé de laisser un peu tomber le côté Blues à papa pour s'ouvrir vers des horizons plus larges. Ce fut le cas vec les Rolling Stones, c'est aujourd'hui le cas avec Led Zeppelin.
A l'occasion des 40 ans du "I", nous avons consacré un long article aux débuts du groupe par rapport aux sons de l'époque. Cela s'accompagne d'une saga de la mutation du rock et du blues vers le hard-rock et le heavy-metal sous un angle rafraîchi. Et puis surtout, il y a une interview de Mister Jimmy Page himself, par notre collaborateur féru de jazz. Cela donne une interview touchante et surprenante, où Jimmy inverse les rôles !
Le tout est illustré de photos inédites et rares, car nous ne voulions pas faire un énième numéro sur Led Zeppelin tartinant les mêmes poncifs.
Personnellement, votre serviteur est l'auteur de la merveilleuse saga du hard-rock (8 pages), et un article sur Peter Green comme vous les aimez. Vous découvrirez en bonus mon réel patronyme, qui, vous le constaterez est à la fois le reflet de mes convictions personnels et sonne comme doit toujours le faire le rock'n'roll !
Soyez avec nous, soutenez-nous, faites de la publicité autour de vous, sur vos blogs et sites, nous en avons besoin. merci à tous.
Pour lire des extraits voici le lien du site de Blues Again !
et pour savoir où nous trouver :
Pour savoir où trouver Blues Again !
http://www.trouverlapresse.com/LOP/accesTitre.do?codif=09129
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Fondé par le guitariste John Mortimer en 1977 à Edinburgh en Ecosse, le line-up se stabilisa vers fin 1979 autour de Mortimer avec Ed Dudley à la guitare, Robin Begg à la basse, Gary Lettice au chant, et Paul Collins à la batterie. Le premier simple parut en 1980 avec « Heavy-Metal Mania », chanson ras des pâquerettes mais ultra-efficace qui impose le son Holocaust : des riffs simples, ultra-puissants, un chant gouailleur et un peu faux mais très prolo, une rythmique en béton, et des chorus magiques. Le tout est une question d’atmosphère, et ce premier album, enregistré en une semaine au studio Ebony, est totalement définitif.
Les riffs sont serrés, coupant comme des lames de rasoir, mais respirant le vrai rock à la façon des premiers AC/DC. La voix frondeuse de Lettice pose des paroles voyous parlant pêle-mêle de bagnoles, de filles, de rock’n’roll et de mythologie moyen-âgeuse (le trip de Mortimer).
Holocaust en est aussi là,mais un peu au-delà. Il cherche la violence, l’adrénaline pure, comme son nom l’indique. Des références brutales, outrageantes, une formule musicale grossière. En apparence seulement, car il faut découvrir le groove blues derrière « Cryin’ Shame », le chorus chevaleresque et épique en intro de « Heavy-Metal Mania » avant que l’on se prenne de folie à hurler LA phrase : « I’Ve Got Heavy-Metal In My Blood ». Il faut hurler de plaisir sur les séquences impeccables de science heavy-metal que sont « Death Or Glory », « It Don’t Matter To Me » et sa slide diabolique, ou « Pushin’ Around ». Enfin, il faut frissonner sur le magnifique et magique, l’angoissant et décapant « The Nightcomers », longue cavalcade épique qui emmène l’auditeur imprudent dans un enfer malsain. Ce premier disque fondateur reste une pierre angulaire du Heavy-Metal anglais, dont l’influence reste difficile à mesurer.
Le plus drôle, c’est que le groupe avait de quoi enregistrer un second disque impeccable, qui aboutira en 1983 avec le fantastique live « Hot Curry And Wine » en 1983. malheureusement, le quintet a déjà explosé en 1982, carbonisé par trois ans de tournée non-stop. On y découvre alors « Forcedown Breakdown », « Lovin’ Feelin’ Danger » tout en slide blues, et le malsain et trashy avant l’heure « The Small Hours » repris par Metallica, donc.
Il reste de Holocaust cet album impeccable, quelques simples fantastiques, et un live tonitruant. Depuis cette découverte, je suis à l’affût du moindre bootleg, qui ne fait que confirmer les qualités indiscibles d’Holocaust, qui, en deux ans, et contre vents et marées, imposant son Heavy-Metal comme la référence du genre, n’en déplaise aux esprits chagrins.
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J’ai le Blues. Je l’ai en moi parce que je crois que je sais ce que c’est que le Blues des Blancs. Parce que pour moi, le Blues noir ne m’a pas toujours parlé de manière directe. Si j’ai un profond respect pour les humbles Anciens du Mississippi et de Chicago, le Blues Blanc m’a toujours beaucoup plus parlé.
Je suis un petit rurbain de 1979, ils sont issues de vénérables familles d’ouvriers agricoles du début du 20ème siècle. Ils ont souffert énormément, de la faim, de la misère, du racisme, et du mépris d’une musique jugée païenne (leur plus grand atout). Je n’ai pas connu tout ça.
James est un brave gars. Un petit Blanc Ecossais. Il est né en 1942, il a une vingtaine d’années dans les années soixante. Il aime le Rythm’N’Blues et le Rock’N’Roll Américain comme tous les gamins de son époque. Il en joue dans de petits groupes locaux, où il tient la basse, parce que guitariste, c’est très demandé, et il n’est pas très doué. Alors il gratouille une basse, James.
Le premier album s’ouvre sur « I Can’t Wait Much Longer ». La guitare étire un long riff overdosé, la batterie, claque vicieusement, et James chante le texte comme une supplique à celle.. à cette chienne qui ne comprend rien…Merde tiens ! Après cette galère, il y a « Daydream », afin de chanter le bonheur tant recherché. En fait, sur ce disque, il est bien question de Blues, mais celui des petits Blancs Occidentaux. La guitare est la synthèse du Blues Noir, et des influences modernes fondamentales : Hendrix et Cream.
Deux albums très funky, mais pas très réussis, en sorte. Et puis, Robin veut revenir au Blues-Rock brut. « Victims Of The Fury » sort en 1980, et revient au line-up d’origine. L’album est d’une qualité rare, et est enregistré en quelques jours, en live.
Et puis, James est viré. Jack Bruce prend sa place en tant que chanteur-bassiste le temps de deux albums excellents en 1981 et 1982.
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Déjà cité ici bas, le merveilleux Nick Drake, ange céleste qui passa dans l’univers musical comme une comète flamboyante, laissant comme poussières d’étoiles trois magnifiques albums.
Jeune musicien folk ayant été signé par Joe Boyd (comme Drake, d’ailleurs, quel homme de goût) sur le label Island, Martyn produit d’abord un folk acoustique à touche bluesy pas toujours très abouti. On sent le jeune homme se chercher musicalement.
C’est au contact de groupes comme Fairport Convention, ou de musicien comme Drake, dont il est un ami intime, qu’il affine son folk. En fait, Martyn va y injecter une bonne dose d’approche progressive, quelque part entre le premier King Crimson, Pink Floyd et Procol Harum. Sauf que tout est joué à l’acoustique, au piano et à la contrebasse.
Cela donne une musique assez spaciale, fouillée, très introverti. On est véritablement happé par cette atmosphère planante, décalée. On se retrouve dans un univers inconnu, seul, et incroyablement bien.
« Solid Air » est un sommet. Il y en a d’autre. Mais celui-ci synthétise les formidables qualités de mélodistes et d’instrumentistes de Martyn. Les accords courent, torturés, avant que la voix ne gronde entre les aigus et les graves des textes lourds de sens. Notamment la chanson « Solid Air », dédié à Nick Drake, alors en pleine dépression.
Il y a aussi l’incantatoire et menaçant « I’d Rather Be The Devil », sur laquelle Martyn joue une guitare presque reggae, mâchonnant un texte redoutable et sombre. La version live de la réédition est encore plus terrifiante, la mélodie étant doublée par une guitare électrique. Mais celle de Martyn, acoustique, est à elle-seule un bricolage de génie, l’homme pouvant égrainer des accords acoustiques, puis mettre en action le micro électrique vissé sur le bois.
Mais à ce jeu-là, Martyn atteint des sommets en live. J’en parle ici, parce qu’aucun album studio n’atteint cette perfection. En 1975, Martyn fut accompagner par Paul Kossoff à la guitare électrique. Il figure sur le coffret de Free, « Songs From Yesterday », une jam monumentale, « Time Spent, Time Away ». Sur presque vingt minutes, Kossoff fait pleurer sa guitare avant de la faire rugir de désespoir, le tout soutenue par la guitare acoustique biscornue de Martyn. 
Le résultat est beau à pleurer, et résume à elle-seule son esprit : une sorte de voyage intérieur par la musique, fouillant les tréfonds de l’âme humaine. Tout cela pour dire que Martyn prend aux tripes, pour peu que l’on se laisse prendre au jeu. 
Cela vous laisse un paquet de disques à écouter. Mais privilégier ceux des années 71 à 80, tous indispensables. « Solid Air » ne sera qu’une mise en bouche d’un univers colossal et multiple.
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L’autoroute défile. On est dans la vallée, et lorsque l’on est un touriste, c’est beau. J’ai fini par oublier cet aspect, pour me dire que ce matin, j’ai besoin de rock’n’roll. Mais quelque chose qui soit un retour aux sources. Au blues, au funk, à la country, au rock’n’roll.
Et puis à ma jeunesse. Enfin, à mon enfance, parce que bon, enfin quand même, j’ai 29 ans les filles. Mon premier choc rock fut Telephone en 1984 avec « Un Autre Monde ». le second fut « Brothers In Arms » de Dire Straits. Pour « Money For Nothing » et LE riff, et puis la chanson « Brothers In Arms ». depuis, je n’ai pas changé d’avis. J’avais 6 ans.
Entre temps j’ai acheté leurs albums, en cassettes. Et mon préféré fut à jamais le premier. Quel disque ! Il y avait à la fois ce blues que je ne connaissais pas, et puis ce côté amateur, rugueux, noir comme ces cités de banlieue. Je n’y connaissais rien, à la condition ouvrière et à la grande ville, moi, gamin de la campagne et fils d’enseignants. Mais je savais que ma sœur ne sentait pas les choses comme moi, ma mère n’aimait pas la musique, et mon père était plus jazz et blues (merci papa).
J’avais donc neuf ans, et j’écoutais le premier disque de Dire Straits de 1978, alors que mes copains écoutaient les Musclés et Dorothée. Bon sang, que j’ai aimé « Setting me Up », « Southbound Again », « Sultans Of Swing », « Water Of Love » et puis surtout « In The Gallery ». Ce funk brûlant, ces chorus corrosifs, cette voix rugueuse. Ce côté au-delà des modes. J’ai tellement écouté ce groupe, tout ce qu’il sortit, que depuis 1993, je n’écoute plus rien. Pourtant, je n’aime guère Mark Knopfler en solo. Il m’emmerde. C’est trop country. En 1978, c’était un génie. Jusqu’à, disons, 1982, avec le live « Alchemy », impeccable. Les quatre premiers disques de Dire Straits sont des chef d’œuvre, point. On va pas discuter, parce que vous allez me coller The Cure, The Police, ou U2, mais aucun n’a été foutu d’aligner un disque complet totalement impeccable. Ce sont juste des boîtes à simples. Leurs albums ne sont pas parfaits. Dire Straits, si. Ce sont les Led Zeppelin des 80s niveau écriture. Franchement.
Bien que le public soit totalement absent, rendant ce live presque froid, lugubre, la musique de Mark Knopfler et ses boys est brûlante. Le quatuor est brillant, souple, félin. La rythmique de Pick Wither à la batterie et John Illsley à la basse vrombit, sûre et précise. On ne dira jamais combien Withers fut un batteur génial. C’est d’ailleurs après son départ que le groupe perdit un peu de sa substance. Ici, tout s’éclaircit : il est le groove, tout en roulements de toms fins et friselis de cymbales.
Les frères Knopfler, David à la rythmique et Mark à la lead, n’ont plus qu’à dérouler la mélodie. Le frangin David est aussi un sacré maillon dans le groupe. Ses riffs funky, parfois reggae, mais riches en harmoniques, tapissent le mur sonore sur lequel Mark développe ses chorus magiques, tout en picking.
Tout commence par un Mark Knopfler un peu enroué, qui dit un simple « Hello » sans aucun retour du public. Il le répète, sans succès, avant de se moquer de l’amorphie de l’audience. Puis Dire Straits démarre sur un « Southbound Again » à peine éclos. La rythmique tourne comme une horloge, éblouissant d’étincelles blues et funk le ciel noir de Leeds. Dire Straits est décidément un ovni. En pleine vague Punk, dégainer JJ Cale, Chet Atkins et les Meters, il faut être un brin gonflé, ou inconscient. De toute façon, les boys sont trop vieux pour ces conneries, tous dans leur trentaine.
S’en suit un inédit pour le néophyte : « Eastbound Train », rugueux, galopant comme un vieux train de banlieue au milieu des cheminées d’usine. Et puis, paf, premier classique : « Down On The Waterline ». Tout est là, en place. De l’intro étouffée à la coda en riff inverse.
Et puis, il y a « In The Gallery ». Comme je le disais précédemment, j’adule ce titre. J’aime ce funk boueux, ces arpèges de guitares vicieux, râclant le sapin pour en définir un paysage à la fois triste et totalement révoltant. Ce titre sent la sueur, chaude et froide. Jamais un groupe n’aura autant fait corps avec le groove, plongeant tête baissée pour en décocher des soli à la fois émotionnels et vicieux.
Il fallait bien un « Water of Love » pour faire retomber la tension. Ce titre est étonnant. Il sent le Blues de John Lee Hooker ou de Howlin’ Wolf à plein nez, et pourtant, il y a ces sons presque exotiques qui font de ce blues un truc presque sautillant. Remis dans le contexte, on est quand même dans le Blues du Bayou à Leeds, sur la côte Ouest de la Grande-Bretagne Et franchement, on peut comprendre.
Chet Atkins ? « Setting Me Up », c’est un condensé de ce vieil homme et d’une certaine country, celle de Hank Williams, bien sûr. Mais avec ce côté rock’n’roll typé Carl Perkins qui rend le tout foudroyant. Tout cela pour dire, que la gonzesse, et ben, elle le gave sévère, et que sa valise est déjà sur le palier.
Puis viennent deux titres restés inédits : « Me And My Friends » et « Real Girl ». Ils prouvent une chose : Dire Straits était exigeant. Bien que pas désagréables, ils montrent les tâtonnements et certaines redites de compositions qui font la différence entre une excellente chanson, et une moyenne. A bien y réécouter, des Jason Mraz et autres blaireaux pseudo-funky-ragga aimeraient bien en avoir au moins une comme cela en magasin.
Je m’en fous, ils finissent sur « Sultans Of Swing ». Cette chanson, ne parlent par ailleurs pas d’eux, comme cela fut colporté. A force de lecture, Mark Knopfler imagina la vie sur la route d’un groupe de jazz noir fameux en tournée dans les années 50, les « Sultans Of Swing ». Il y décrit les galères d’un groupe en tournée, et celles d’un groupe noir et anti-conformiste à cette période. C’est avec beaucoup d’intelligence que Mark Knopfler décrit ce parcours entre succès, plaisir de jouer et injustice.
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